La toile est exécutée en direct; dans une baignoire anonyme, Serena s'immerge dans l'eau: elle est habillée. 

Elle ne tient pas en main un flacon de bain moussant, mais un flacon de sirop à l'Amarena Fabbri, et s'apprête à en verser de précieuses gouttes qui font virer l'ensemble de la composition à un beau rose antique. Certaines griottes naviguent sous l'eau. L'atmosphère est aussi invitante qu'une affiche publicitaire et, en même temps, suspendue, comme dans une peinture métaphysique. L'esthétique pop, médiatisée par l'Américain Alex Katz (New York, 1927), est renforcée par le détail précis du flacon, mais la couleur n'est pas appliquée en aplats uniformes et Zaffino connaît les ombres et les nuances de l'histoire. Dans cette œuvre, le protagoniste n'est pas un événement particulier et hors du commun, mais le moment qui le précède. Le jeune peintre génois sait donner corps à l'attente et notre regard s'enflamme.

Quelque peu hermétique, le diptyque imaginé par le jeune photographe des Pouilles pour souhaiter un bon début de journée. 
Le clin d'œil à la griotte est délicat, se posant tout naturellement sur la biscotte. Les deux garçons, qui se ressemblent comme des frères, ont des caractères différents, mais tous deux semblent distants, ennuyés, seuls. La toile de fond derrière eux et la table en bois massif au premier plan en font les héritiers directs des douze apôtres de Léonard, invités à la table d'un dernier repas où le festin est absent. Vinci interprète magistralement le déclin de la civilisation européenne, qui ne sait plus donner à ses enfants une bonne raison de vivre.

La suggestion est forte, et c'est un parfum d'épices du Moyen-Orient et de sérail qui se dégage de l'installation d'Adriano Tetti pour Fabbri. 

Comme dans ses autres œuvres, le titre ajoute du sens à l'ouvrage, dans lequel le profil du lanceur de noyaux a la même dignité qu'un portrait de la Renaissance, tandis que le chapeau décoré bleu et blanc de l'Amarena Fabbri prend la place de celui des danseurs soufis. Dans le bleu du support en bois, même la trajectoire des noyaux projetés avec une élégante précision crée une parabole céleste et un agréable effet nuit: le Combine Painting de Tetti pour Fabbri part de Rauschenberg pour arriver aux affiches publicitaires annonçant les «numéros inédits» du cirque équestre de Moira Orfei.

Peintre raffiné du corps humain et animal, Samorì a choisi de représenter, pour Fabbri, un profil de femme aux vagues traits éthiopiens et à la beauté antique comme Ève, la mère de tous les êtres vivants. 

Pour ce faire, il dilue du jus de tamarin et des sirops de griottes pour obtenir, avec des résines et des encres, une couleur rouge à l'instar des sinopies et des plus anciennes peintures rupestres. Le pigment, étalé par glacis sur du papier vieilli puis appliqué sur la toile, est un médium entre l'alpha et l'oméga du temps, à travers lequel l'artiste, d'un geste chamanique, exerce la mémoire et transmet une lueur de vérité, aussi fragile que l'épaisseur impalpable du cœur.

La beauté de cette œuvre d'art réside dans la force ambiguë qu'elle libère, générant un heureux court-circuit sur le plan formel et symbolique. 

Le rouge qui coule des mâchoires du dragon est-il du sang ou du jus de griotte ? Et son atterrissage maladroit, ailes déployées, sur sa proie, est-ce une victoire (le vase s'est cassé) ou une défaite (le dragon est blessé) ? La réponse se trouve dans la culture pop de ce jeune céramiste, deuxième au 55^e concours international du Prix Faenza 2007, et sa vision Global Fantasy nous invite à rêver d'Eragon chevauchant le dragon bleu Saphira, plutôt que de l'archange Michel. Son dragon friand de sirop regarde plus vers l'est que vers l'ouest, devenant un symbole de fertilité et de bonne fortune, comme en Chine et au Japon où cet animal légendaire est peint sur des vases, brodé sur des brocarts, coulé dans des becs de bronze en protection des fontaines et célébré, au moins une fois par an, par des fêtes et feux d'artifice. Dans la créature féérique de Salvatori, cependant, nous semblons percevoir une morale : aucun ennemi ne peut le vaincre, sauf la bonté.

Authentique artiste de la Campanie, il porte un sceau indélébile: la perception atroce de la réalité comme un contraste entre la vie et la mort, comme une lutte entre la lumière et l'obscurité, comme un destin entre l'Enfer et le Paradis. 

Face à ce dilemme, il choisit le Purgatoire. C'est-à-dire une voie médiane qui entre dans la nuit mais pointe vers l'aube, une solution humaine et temporaire, précisément parce que le mal doit être traversé, puis laissé derrière soi. C'est ainsi que la tragédie de Pompéi devint le plus beau musée naturel de moulages humains en plein air et Giovanni Ruggiero l'inventeur de son contraire: les «Introrilievi», soit des sculptures en creux. En évidant la matière, il montre l'intérieur de la sculpture elle-même. Il ne s'agit pas d'un moule négatif de la matière, mais de sculptures réalisées en creusant directement la matière dans la matière. Avec cette empreinte de buste humain gravée dans la céramique bleue et blanche des vases Fabbri, l'artiste nous dit de quoi nous sommes faits. Il nous dit que le vide dans la nature n'existe pas et que l'absence n'est que l'autre face de la présence; entre les deux, il y a la mémoire de chaque existence.

Fidèle à la poétique ludique et provocatrice qui l'a rendu mondialement célèbre (il a déjà quelques imitateurs en Indonésie), l'artiste de Vicence, maître de l'art informatique et premier en Italie à avoir créé un jeu vidéo d'artiste il y a dix ans, interprète le thème en faisant de la majolique blanche et bleue des vases Fabbri une arme mortelle. Mettant en collision la matière et la forme, Antonio Riello décrit, avec une ironie caustique, les incohérences et les psychoses de notre époque.

Pour la claire dérivation cinématographique avec un regard intimiste et l'utilisation suggestive de la lumière qui fait un clin d'œil à un paysage d'enfance ludique et nostalgique.

Deux visages de femmes au parfum d'Orient serrent un vase d'Amarena Fabbri à leur poitrine et se font un clin d'œil dans l'embrasure de la porte. Elles semblent spéculaires mais ne le sont pas. Sommes-nous en train de regarder l'image d'une séquence publicitaire? Ou sommes-nous à l'intérieur d'un jeu vidéo? Nous sommes certainement au début d'un autre épisode écrit par l'imagination de Giuseppe Rado, père de deux possibles icônes des dessins animés japonais, Kaori et Shanty. L'artiste recrée les looks typiques des mangas en retouchant les photos et transporte ses personnages féminins dans une dimension réelle. Les deux jeunes filles ont une touche littéraire, avec des regards et des attitudes qui rappellent l'orientalisme de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, mais les poses à la Madame Butterfly et à la Turandot ne se transforment pas en gestes et le final bouleversant n'arrive jamais.

Le jeune artiste de Faenza réalise une sorte de bombe calorique au goût explosif: une installation à trois corps (les trois vases Fabbri en céramique blanche et bleue) montée en trèfle sur une assiette blanche et dont le détonateur est l'Amarena Fabbri. La préciosité du platine qui coule comme du sang l'emporte. Neretti décore la surface des vases de petites têtes de mort qui n'effraient personne.

Des griottes comme des bijoux et des cristaux qui, depuis le vase Fabbri, projettent un cône de lumière sur le temps infini de l'espace cosmique. 

Dans le camaïeu qui ressemble à la vibration de l'univers, Marcello Jori crée pour Fabbri ces petites géométries précieuses, enchantées et kaléidoscopiques. Expérimentateur de formes, artisan de la matière, l'artiste a peu à peu abandonné la matrice conceptuelle pour redonner corps au monde. Depuis sa première participation à la Biennale de Venise en 1982, il a créé de nombreux univers sensibles, passant de la photographie à la peinture, des «écritures» tourbillonnantes et fluctuantes de son espace physique et mental aux bâtiments polychromes des «teatrini», architectures mouvantes et flamboyantes, prélude à ces bas-reliefs d'une grande élégance et d'une grande harmonie.

Le geste artistique peut être érotique à une condition : la main qui offre le plaisir doit être celle qui l'a saisi en premier. 

La cerise est petite, notre attente est grande, mais la bouche entrouverte de la femme n'a pas envie de sucré et ne sait que désirer. Tout est avalé par une ombre noire, dans un jeu aux contours troubles qui met en scène sans faire émerger les pulsions vitales les plus profondes.

Pour la maîtrise factuelle à la manière du classique qui reprend des éléments historiques avec quelques concessions ironiques au modernisme pour souligner un lien avec la tradition qui n'a pas peur de l'élan novateur.

Un fragment de marbre blanc, avec des lettres et des arabesques gravées, évoque immédiatement un mystère à découvrir, dont la clé est peut-être cachée dans un pilier de cathédrale médiévale. Où mènera la trace Fabbri que l'on entrevoit au milieu des aspérités du marbre sculpté par le jeune Galliani? Pas à Wiligelmo, ni même à Antelami, ses illustres prédécesseurs sur le sol émilien, car le fil d'acier qui sort de l'urne est aussi brillant que la langue d'un serpent enchanteur et porte à son extrémité une cerise rouge qui effleure les formes de Philippe Starck. Le contraste entre les matériaux crée une œuvre ouverte, capable de multiples renvois : devant cet objet précieux, la mémoire des anciens maestri Comacini cède immédiatement la place à celle des maîtres pâtissiers d'aujourd'hui.

Per la qualità della sua pittura che con ironia e sapienza coglie un’immagine solare e luminosa in grado di rappresentare al meglio l’italianità dell’azienda.

Maestro dell’assurdo, l’artista inventa una scenografia surreale dove il Peso dolce avanza con leggerezza su un’Ape come su un carretto siciliano scassato e barcollante come vuole la tradizione popolare, ma quasi sospinto da un vento surreale che gonfia il vaso di Amarena Fabbri come una vela di poppa. L’elemento realistico si abbina a quello visionario: issato come un vessillo in cima a un’architettura di cassette di frutta e di verdura, il vaso dell’Amarena Fabbri provoca un sorriso; lo spettatore è spaesato e divertito e torna bambino nel cercare di ricostruire in modo logico questo delirio immaginifico. Le cose dipinte da Di Marco sono solo in apparenza modeste e insignificanti; in realtà portano una fortissima valenza simbolica dell’attività umana e della cultura da essa prodotta.

Aérienne, ludique, intelligente, cultivée, l'Amarena de Cuoghi est conçue comme une rosée extraterrestre. 

Le fruit sort abondamment de la coiffe de la déesse Idea, comme Athéna est née de la tête de Zeus. Décrite comme une boîte de «Pandore-Fabbri», l'apparition céleste est conçue comme une image de dévotion de la fin de la Contre-Réforme, avec le dévot habillé comme un dandy du XVIIIe siècle à ses pieds et la sainte dans le ciel. Elle est peinte planant sur les nuages comme une Vierge de la Santeria Brasileira, profilée avec des traits précis comme dans un dessin animé et posant ses mains dans une pose hiératique comme une déesse du «bon goût» dans le panthéon hindouiste. La toile a du caractère et de la force d'attraction; c'est une présence féerique, à savourer avec tous les sens.

Dans ce jeu de citations symboliques, les références proposées par la jeune Factory de Fabrice Coniglio et d'Andrea Raviola sont vraiment infinies: l'homo faber (ancêtre de tous les artistes), la forge d'Héphaïstos (Volcan) qui forge les armes, la franc-maçonnerie (le marteau est l'outil du maître de la loge et des deux gardiens), la cerise comme goutte de sang divin et comme rubis qui possède les vertus de toutes les autres pierres précieuses, métaphore de la pierre philosophale. En se représentant eux-mêmes à l’intérieur de l’œuvre, à la manière du célèbre duo anglais Gilbert & George, le duo ConiglioViola crée une œuvre parodique. Artisans virtuels du médium numérique, ils s'affirment comme des représentants éclectiques du méta langage contemporain où toute chose est «trouvée» (c'est-à-dire où toute chose trouve une place sur la scène du relativisme contemporain), ils se déplacent à la surface avec rapidité et savoir-faire, mais sans aller en profondeur. Ils ne connaissent donc pas le goût de l'expérience, et dans cette représentation en deux dimensions, ce n'est pas vraiment le goût de l'Amarena Fabbri qui est évoqué, mais plutôt celui de l'abattoir américain habité par les tueurs en série de Massacre à la tronçonneuse.

Qu'a repéré Davide Coltro? Dans un paysage de la vallée du Pô, teinté de jaune, une dizaine d'objets non identifiés pleuvent du ciel. 

Il n'est pas du tout évident qu'il s'agisse de vases stylisés d'Amarena Fabbri, mais plutôt de formes abstraites, douces et arrondies comme des cloches ou des vaisseaux spatiaux, des seins géants ou des toupies, le tout immergé dans une «couleur intermédiaire» créée par l'auteur. L'artiste véronais nous a habitués depuis longtemps à ces visions minimales ou sérielles, caractérisées par d'infinies tonalités numériques et par une valeur chromatique extraite de la réalité photographiée. Ce sont des paysages de l'esprit qui nous invitent à réfléchir sur la relation entre la réalité et le monde virtuel, entre la nature et la culture. Les prises de vue générant ce travail sont de nature classique et leur particularité réside dans la transformation de l'image photographique originale. En utilisant la couleur intermédiaire, qui devient une seconde peau appliquée au squelette de l'image, Coltro nous montre un cosmos au-delà de la toile; il le photographie puis le «peint». Mais d'où vient sa vision? L'artiste voit-il ou rêve-t-il? Et s'il voit, qu'est-ce qui remplit son ciel?

Avec le lyrisme suspendu qui le caractérise, Matteo Bergamasco crée une image sans profondeur pour raconter l'épopée du centenaire de la Fabbrica Fabbri. 

Dans le désordre, les objets d'hier et d'aujourd'hui sont décrits: les bouteilles de cédrat et les glaces, les brandys Gran Senior et les sirops, les pots à liqueur en céramique noire et blanche des années 1950 et les vases blancs et bleus de l'Amarena, les services à café cadeaux en porcelaine Richard-Ginori et tout le processus industriel des semi-finis pour la pâtisserie et la glacerie artisanale qui garantit encore aujourd'hui à la marque son succès international. Le peintre n'a pas besoin de mots, il saisit l'âme de la situation dans la candeur d'une image presque féerique pour exprimer, dans une synthèse poétique, la sérénité d'une vie laborieuse.